Um sonho de metal suspenso: Tamara de Lempicka (e II)



1927 e 1933 brilham como a época mais identificável, célebre e suprema de Tamara de Lempicka. O seu estilo tornou-se único. A distância tinha um carisma, sendo reconhecível instantaneamente. Mas o seu efeito foi ainda mais sutil. Não só projetam algo incrível e festivo, mas também capturaram a fantasia dos espectadores. Ao atraírem a atenção, indicaram que eram imagens preciosas, mas também obras de arte autênticas para serem funcionais, contempladas e admiradas nos seus valores formais.

1º. A bela Rafaela. 1927

1º. A bela Rafaela. 1927

Este importante ciclo começou com uma vitória: o Museu de Nantes adquiriu a sua pintura Kizette em rosa (1924), um belo retrato da sua filha. Um detalhe que augura as encomendas de retratos eminentes que ela receberia desde então, nomeadamente, de mulheres. As suas obras portam a sua assinatura: flexibilidade maneirista, características neoclássicas nítidas, perfis cubistas quebrados e o aço do futurismo. Uma luz transparente vibrante em cores brilhantes e superfícies laqueadas esmaltadas. Um dispositivo adequado para os seus modelos, convertido nas modalidades de Art Deco. O pano laranja (1927), Kizette na varanda (1927), O deshabillé rosa (1927), Retrato de Romana de la Salle (1928), Verão (1928), Dama da luva verde (1928), Nana de Herrera ( 1928-1929), O turbante verde (1929), O meu retrato (Tamara em Bugatti verde) (1929) e Saint Moritz (1929) são pinturas de mulheres envolvidas numa bruma elusiva e íntima. Lempicka estabeleceria neles relações mais artísticas; A bela Rafaela (1927) é o retrato de um modelo perdido do seu próprio prazer, no qual a artista usa cores densas. Uma atmosfera inspirada no claro-escuro de obras de Caravaggio como Narciso (1599), Jovem com um cordeiro (1602) e Cupido dormindo (1608). Outra obra de translúcida sensualidade é Andrómeda (1929), que contém o extremo e ígneo da obra de Roger e Angélique (1819, Jean-Dominique Ingres). Obras flamejantes, nas quais os tons marfim, castanho, ónix, platina, rubi e âmbar envolvem as composições.

2º. Andrómeda. 1929.

2º. Andrómeda. 1929.

Dama de azul com violão (A música) é um das obras mais espetaculares destes anos. Pintado em 1929, neste trabalho Lempicka imortaliza uma música que toca um bandolim. Veste uma túnica de elegância discreta, enfatizando a cidade localizada às costas. A música aparece flutuando no ar, entregue à melodia. A pintora joga com as referências históricas, refletindo o impalpável das esplêndidas deusas de A primavera (1480-1481) e O nascimento de Vénus (1484-1486) de Sandro Botticelli. — A artista já conhecera os mestres italianos em 1911, quando passou o inverno com a avó na Itália e na Riviera Francesa. A sua frescura decorre da riqueza em detalhes. O cabelo curto harmoniza com as unhas, pintado num verniz de coral e lábios, perfilados de papoula. O seu brilho morno cintila entre o vestido de topázio, com tons de lava azul. Uma cromaticidade mineral que contrasta coa pele e a sua aparência generosa e curvilínea. Oposta a ela é a cidade localizada longe. Os seus edifícios parecem duros e rígidos, mas são o contraponto fantástico para os movimentos ondulados da música. A sua aparência em gradações de ósmio faz os retângulos tremerem, aprofundando a limpeza do Estilo Lempicka.

3º. A música. 1929.

3º. A música. 1929.

O que é extraordinário de A música, bem como outras telas, é que nela a pintora sugere a individualidade e o encanto de cada mulher, com uma grande vivacidade. Emitem alegria devastadora, com uma juventude estonteante e uma veia moderna. Um triângulo de termos que se ajusta à metrópole futurista definida pelas paisagens urbanas e industriais. Lempicka soma as cidades tubulares à maneira dos futuristas, ou seja, como uma imagem em que estão projetadas as esperanças da Humanidade ao entrar numa nova Utopia tecnológica, apresentando os arranha-céus com uma impressão deificada e misteriosa. Como as formas mecânicas, em si mesmas são um tema em pintores do Precisionist Group ou os designers decó – Jean Fouquet, Jean Puirforçat, Raymond Templi e Gérard Sandoz -. Em Lempicka, eles correspondem como o ambiente dinâmico dos seus modelos.

4º. A noiva. 1928.

4º. A noiva. 1928.

Sendo uma pintora famosa, em 1929 mudou-se para os Estados Unidos para tomar conta da execução dos seu primeiro retrato solicitado no país, estabelecendo um espaço em que a produção atingiu um respeitável alto número de telas. Mas ela também fez esta viagem para controlar a organização da sua primeira exposição americana no Carnagie Institut. Apesar da crise do Crack de 29, até 33 foram os anos em que ela pintou alguns dos seus retratos mais maravilhosos. Um intenso círculo em que o seu estilo sedoso concebeu cores e texturas mais fluidas e doces, o que em conjunto, com uma aberta liberdade, uma leitura em que as emoções como a mente são a razão interior das atitudes e gestos dos retratados. Uma pintura de 1928, A noiva, mostra uma hipnótica mulher entre o ar impregnado da fragrância de flores e uma gaze de alabastro, pulverizada como se fosse pedra de Lua. Trata-se de uma obra realizada por Lempicka na sequência de firmar o divórcio com o marido, Tadeusz Lempicki, e nela o rosto intui o mundo privado, febril, do desejo feminino. Será essa honestidade que estará presente nos próximos quadros.

Dos retratos originados então destacam-se Mulher com pomba (1928-1930), Arranha-céu (1929), Retrato da Senhora Bush (1929), Dama em amarelo (1929), Mulheres a banhar-se (1929), Retrato de mulher em verde com luvas (1929), As Jovens (1930), Nu com edifícios (1930), O chapéu de palha (1930), Mulher nova com luvas (1930), Retrato de Ira P (1930), Primavera (1930), Retrato da Senhora de Alan bott ( 1930), Retrato da Senhora Boucard (1931), que faz par com o Retrato do Doutor Boucard pintado em 1928.

Tamara de Lempicka. 1934-1937

Tamara de Lempicka. 1934-1937

 Um quadro bem pensado em que a pintora transformou a sua longa gabardina numa bata branca de laboratório -, Retrato de Pierre de Montaut (1931 ), Arlette Boucard com calas (1931), Calas (1931), Retrato de Madame M (1932), Retrato de Marjorie Ferry (1932), Meninha adormecida (Kizette) (1933), Mademoiselle Poum Rachou (1933), e Retrato de Suzy Solidor (1933). Neles percorre um grande repertório visual em que irrompem os lápis-lazúli, ébano, peridoto, quartzo rosa, nefrite e ouro branco. Um tempo em que se tomaram algumas das fotografias mais cinematográficas de Tamara de Lempicka, realizadas por autores reconhecidos como Willy Maywald, Camuzzi, Joffé, Estudo Lorelle e d’Or (Dora Kallmus); nelas há uma diva com uma imagem que, em termos de ângulos e iluminação, está mais perto dos trabalhos de diretores de fotografia como Victor Milner, Josef Von Sternberg (também como diretor), Lee Garman, James Wong Howe ou William H. Daniels que fotógrafos -Horst P. Horst, George Hoyningen-Huene, Man Ray, Martin Munkácsi ou Cecil Beaton-. No entanto, o seu estilo no vestir e na ourivesaria não só tem o fascínio dos desenhos realizados por Travis Banton, Irene ou Adrian, mas também a imaginação e força das criações de Madeleine Vionnet, Jeanne Lanvin, Elsa Schiaparelli ou Mainbocher. Ao falar com a câmara, Lempicka tem a presença de uma imperatriz.

Em obras como Idílio, a pintora mantém com confiança a iconografia que surgira em quadros como o Retrato da Duquesa de la Salle ou A Música. Mas neste quadro de Lempicka, a oposição entre o ambiente e o par retratado é extrema. De facto, de ambos a mulher é -como sucede na maioria da obra de Lempicka- o centro de toda a ação. Com o cabelo suntuosamente dourado como o da artista, o seu rosto é diferenciado. É a figura perfeita para combinar com um ambiente que tem a frialdade do vidro preto. A desumanização urbana contrasta com ela, uma mulher com olhos expressivos de cor safira que se volta graciosamente para o seu parceiro. Não pode ver o rosto dele. Toda a atenção vai para a ternura e a profundidade que ela experimenta ao estar com ele. Nela há uma admiração que reconhece o acompanhante, apagando o seu anonimato. Datada em 1931, é uma obra distintiva deste período, em que as imagens refletem uma atmosfera profundamente sensível em que beijos e abraços são uma forma comum de comunicação.

6º. Idílio. 1931

6º. Idílio. 1931

A estrela dessas obras é Adão e Eva. O motivo escolhido tem como referência a sequência de pinturas com este tema realizadas ao longo da História da Arte. A artista pintou-o no mesmo ano que Ilídio e usando a mesma linguagem. É por isso que ele goza de uma naturalidade que é real. Não se sinte uma mentira. Na tela, Adão se vê-se atraindo o seu braço para Eva, em uma cidade enorme que esconde o céu atrás deles. É uma composição simples mas carregada de entrega. A posição do corpo escultural de Adão permite olhar para os músculos de suas costas largas, de cor de mel. Este é o oposto de um Eva marmórea que -frontal, com uma maçã na mão- está em transe. O seu cabelo cremoso num tom champanhe encontra-se com o cabelo preto liso dele. Há um equilíbrio entre as duas figuras, graças à maneira como Adão, em sua altura, afunda a cabeça no pescoço de Eva, deixando os olhos e os lábios no escuro. De um modo imperceptível e como algo essencial, Lempicka representa o homem da imagem -igual que en Idílio– como um ser romântico e apaixonado. A imensidão de ambos ressoa no silêncio de uma cidade de prata, transformando um material bíblico numa carta de romance intemporal.

7º. Adão e Eva. 1931.

7º. Adão e Eva. 1931.

A razão pela qual essas pinturas são as esmeraldas da Art Decó reside na sua consistência. Existem telas que respondem ao ethos Decó como Duas mulheres em um café (1924, Piero Marussig) que bem pode contrastar com O pano laranja, Manhã (1926) de Dod Procter com A bela Rafaela, o Retrato de Elsie de Wolfe ( 1930, Bernard Boutet de Monvel) com o Retrato da Duquesa de La Salle e Retrato de uma jovem (1935, Meredith Frampton) com A música. Onde reside a exclusividade de Lempicka é em sua estética, que pressagiam uma montagem acorde com, por exemplo, o movimento da Wiener Werkstatt (1903-1932). O despertar a imaginação com formas geométricas de esferas, cones, pirâmides, paralelepípedos, cilindros e ovoides fá-las veículos para metáforas e valores de superfícies. Esta experiência também os torna, como elementos figurativos, acessíveis em consonância com a voz da tradição artística. Este é o embrião da produção pictórica de Lempicka. Mas o seu mistério é igualmente digno do relevo da construção interna das peças de Pierre Chareau, da Omega workshop e PUD (Prazske Umemecke Dilny), do equilíbrio entre tradicionalismo e novas tendências de Marcel Coard, as texturas de jade de Jean Dunand, o individualismo e o elemento futuro de Eileen Gray e o estilo clássico de mobiliário sofisticado de Jules Leleu. Nesta revista de nomes e imagens, Tamara de Lempicka é a magia, o tempo, a alma da beleza contemporânea.

IMAGENS

1º. A bela Rafaela. 1927. Técnica: Óleo sobre tela. Medidas: 65 x 92 cm. Coleção particular Este quadro, junto com Andrómeda ou o Retrato do Marquês d’Afflitto, foi um dos primeiros quadros a aparecer no videografia de Madonna. Em particular, apareceram no vídeo Open your heart (1986 Jean-Baptiste Mondino. Fotografia: Pascal Lebegue). A inspiração em pintoras regressaria diferentes vezes, como em Bedtime Stories (1994, Mark Romanek. Storyboard: Grant Shaffer), com imagens tiradas da pintura de Frida Khalo, Leonora Carrington e Remedio Varos.

2º. Andrómeda. 1929. Técnica: Óleo sobre tela. Medidas: 100 x 65 cm Coleção particular Madonna usaria uma projeção dessa pintura, juntamente com A música, na introdução dos shows da sua digressão Who’s That Girl? (1987). Pertencentes à sua coleção privada, incluiu as telas de A bela Rafaela, Andrómeda, Nana de Herrera e A música no seu vídeo Vogue (1990, David Fincher. Fotografia: Pascal Lebegue).

3º. Dama de azul com violão (A música). 1929. Técnica: Óleo sobre tela. Medidas: 116 x 73 cm. Coleção particular. No vídeo de Madonna Express Yourself (1989, David Fincher. Fotografia: Mark Plummer), a direção de arte empregaria a estética do filme Metrópolis (1927, Fritz Lang), as tonalidades e o imaginário dos quadros de Lempicka, como A música, mobiliário de Mackintosh e efeitos visuais extraídos das ilustrações de M.C Escher.

4º. A noiva. 1928. Técnica: Óleo sobre painel de madeira. Medidas e coleção: s.d.

5º. Tamara de Lempicka. 1934-1937. Camuzzi. Técnica: Positivado a preto e branco sobre papel. Medidas: 23,5 x 17,5 cm. Coleção de Alain e Michèle Blondel.

6º. Idílio. 1931. Técnica: Óleo sobre tela. Medidas: 41 x 32,5 cm. Coleção particular.

7º. Adão e Eva. 1931. Técnica: Óleo sobre painel de madeira. Medidas: 116 x 73 cm. Museu de Arte Moderna, Petit Palais, Genebra.

Iria-Friné Rivera Vázquez

Iria-Friné Rivera Vázquez

Historiadora da Arte, fotógrafa e divulgadora.
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